Clasicismo es el estilo de la música culta europea desarrollado aproximadamente entre 1750 y 1820 por compositores como Wolfgang Amadeus Mozart y Joseph Haydn. Coincide con la época cultural y artística hoy denominada, en la arquitectura, la literatura y las demás artes, Neoclasicismo. Tuvo sus grandes centros de difusión en Berlín, París, Mannheim y, sobre todo, Viena.
Se caracteriza por la claridad de las texturas, la simetría de las frases, la consolidación de la tonalidad plena y el establecimiento de las formas musicales clásicas (sinfonía, sonata, cuarteto...).
Denominación
Mientras que las restantes artes redescubrían y copiaban en esta época los antiguos modelos grecorromanos, los muy escasos restos musicales conocidos de la música de la Antigüedad eran insuficientes para basarse en ellos, por lo que el clásico es un estilo musical nuevo. Por esta misma razón, la denominación música clásica nunca se usó para la música grecorromana, prácticamente desconocida, y comenzó a ser utilizada por los románticos para nombrar a la música de la época que les precedió, esta de la segunda mitad del siglo XVIII; luego, por extensión, el nombre fue usado para toda la música culta occidental anterior al siglo XX.Estética y características generales
El siglo XVIII fue el de la Ilustración, y su estética se trasladó al estilo musical: gusto por lo natural, lo equilibrado y lo claro; rechazo del artificio y el exceso de sofisticación de la música barroca; imitación de la naturaleza, en forma de estructuras simples y frases simétricas similares a las de la música folclórica; en la ópera, verosimilitud y cercanía al espectador de los argumentos, e integración íntima del drama y la música.Además el público de la música culta se extendió de la vieja aristocracia a la pujante burguesía, que compraba masivamente ediciones de partituras y llenaba los teatros de ópera y de concierto, lo que impulsó a los compositores a acercar su estilo a lo popular. La difusión de la música aumentó y se internacionalizó, y con ella la fama de los compositores más destacados, de modo que el estilo se unificó en toda Europa y los autores más conocidos hicieron frecuentes giras por las principales capitales del continente.
- Uso de la textura de melodía acompañada, consistente en el predominio de la voz más aguda, que centra el interés en su melodía, mientras el resto de instrumentos la acompañan; sólo en ocasiones se usa la homofonía o la polifonía imitativa. El acompañamiento es ya escrito explícitamente (desuso del bajo continuo).
- Melodías de un mayor carácter cantabile y simétricas, con frases estructuradas en antecedente y consecuente (o pregunta y respuesta), que típicamente se cierran en las armonías de dominante y tónica, respectivamente.
- Armonías muy claras y funcionales, basadas en los acordes de tónica, dominante y subdominante, que estructuran las frases y la forma musical con cadencias muy claras. El ritmo armónico (velocidad a la que cambian los acordes) suele ser más lento que en el Barroco: es típico el acompañamiento arpegiado llamado bajo de Alberti en el piano, o el trémolo en el acompañamiento orquestal.
- Se escribe mucha más música en modo mayor (más alegre) que en modo menor. Se amplía el campo de las modulaciones y se usan tonalidades cada vez con más alteraciones.
- Compás muy claro y regido también por la armonía.
- Se amplía la orquesta y su rango dinámico. Cada vez se escribe en detalle una mayor variedad de dinámicas y articulaciones, dejando menos espacio a la interpretación del ejecutante.
- Se usan formas estandarizadas (en particular la llamada forma sonata) pero con gran interés y variedad en la estructura interna de la música. Es en este periodo cuando se definen claramente las formas y estructuras en las que se basa la música culta occidental casi hasta nuestros días: la sonata, la sinfonía y el concierto clásico.
El termino clasico se aplica a la música para distinguir el estilo desarrollado durante la segunda mitad del silglo XVIII y los primeros años del XIX.Se destacan los hijos de bach: Carl Philip Emmanuek y Johann Christian.
Características musicales del clasicismo
Ritmo regular dentro de una sencillez natural.
- Armonía poco compleja y eminentemente consonante.
- Aparición de nuevos timbres y matices como consecuencia del mayor perfeccionamiento de la orquesta.
- Predominio total de la música instrumental.
- Nacimiento de las formas sonata, sinfonía y concierto, en su concepción actual.
- Mayor «democratización» de la música, al hacerse extensiva a un público más numeroso
El clasicismos vienés(1ºEscuela de viena)
El clasicismo musical tuvo su mejor momento en la ciudad de Viena en la segunda mitad del siglo XVIII.El clasicismo vienés tomó como objetivos la claridad, el buen gusto, la proporción y la elegancia. El nuevo estilo produjo una nueva textura, la melodía acompañada, basada en la idea de una sola melodía que destacara claramente sobre un acompañamiento que prescindía del bajo continuo.
En el clasicismo vienés eran típicos los temas cortos de exactamente ocho compases , fácilmente reconocibles, equilibrados uno contra otro como pregunta-respuesta musical y acompañados por acordes.
Se termina de establecer el aspecto definitivo de la forma sonata, en sus manifestaciones de sinfonía, cuarteto de cuerdas y concierto.
La formación instrumental orquesta tomó su aspecto definitivo.
Lo representan tres gigantes de la música: Franz Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven.
Sinfonias y conciertos
A lo largo del siglo XVIII se consolida la música sinfónia.Su origen está en la opera y en los templos.
EL teatro del siglo XVIII sigue siendo el espacio rey, en el que se desenvuelven no sólo los espectáculos operísticos sino, sobre todo, una gran parte de la vida social del momento. La dinamización de las estructuras operísticas propias del siglo anterior es uno de los propósitos del nuevo arte; con todo, el concepto actual de la representación operística como un ente cerrado, aún estaba lejos en el Clasicismo. Así, una misma ópera podía cambiar dependiendo de en qué teatro se representase; al mismo tiempo, los cantantes podían negarse a cantar determinadas arias, aunque con eso se transformasen sustancialmente el libreto, o, por lo contrario, podían cantar las arias que les diesen fama, a pesar de que fuesen de otro compositor y no tuviesen nada que ver con la trama de la ópera.
En los templos se añadieron cada vez mas instrumentos a las sonatas en trío da chiesa y se formaron orquestas que engalanaban los oficios
Sin ninguna duda, el género instrumental por excelencia de esta época es la sinfonía. Su composición ocupa a los músicos de todas las partes, aunque pronto comienza a destacar la Escuela de Milán, ciudad en la que trabaja Giovanni Battista Sammartini (1700-1775). Existen copias de sus sinfonías en Londres, Viena, Berlín y París, lo que permite hacerse con una idea adecuada de la importancia de su producción. Sus obras, generalmente estructuradas en tres tiempos, se caracterizan por sus ritmos vivaces, por el contraste de texturas y por la procuración del equilibrio
-Las formas sinfonicas
El Concierto:
Por
su parte, el concierto grosso pierde en estes momentos protagonismo
frente al concierto a solo, que se convierte en el preferido por el
público debido al interés que este manifiesta por el virtuosismo. Los
mismos compositores que se dedican a la forma sinfonía, componen conciertos, generalmente en tres movimientos, para violín, violonchelo, flauta, clarinete, oboe o arpa. No eran comunes los conciertos para clavicémbalo, ya que el interés comienza a derivar cara el pianoforte, desde los últimos años de la década de los 70.
Musica de camara
La musica de camara adopto en el clasicismo la forma de sonata y se aplicó a pequeñas agrupaciones intrumentales.
Las agrupaciones de cámara más habituales son:
Entre los grupos de cámara podemos mencionar:- El dúo sonata que es un solista acompañado de un piano.
- El trío: El piano acompaña instrumentos de cuerda.
- Trío de cuerdas: 1 o 2 violines, 1 viola y un piano.
- Trío con piano: Piano, violín y chelo.
- Cuarteto de cuerdas: 2 violines, 1 viola y un chelo
- Cuarteto de piano: Piano, violín, viola, chelo.
- Quinteto de cuerdas: 2 violines, 2 violas, chelo.
- Quinteto de piano: cuarteto de cuerdas y piano.
- Quinteto de vientos madera: Flauta, oboe, clarinete, fagot y corno francés.
- Quinteto de metales: 1 o 2 trompetas, corno francés, trombón y tuba.
- Orquesta de cámara: Orquesta pequeña que suele tener de veinte a veinticinco instrumentistas. Éste era el tamaño habitual de las orquesta del siglo XVIII.
La reforma de la ópera
Pensemos que el lucimiento que buscaban estos intérpretes llegaba hasta el extremo de hacer parar a la orquesta para poder exhibir sus habilidades con los trinados e inacabables coloraturas. Una vez se sentían satisfechos de lo que habían hecho dejaban que la orquesta continuara con la partitura. Otra cosa que también hacían sin el menor rubor era cambiar el orden de las arias, para su mayor comodidad. También existían lo que se llamaba arias di baule (arias de baúl), es decir una serie de arias que eran de su gusto y que interpretaban aunque no fueran de la ópera que se representaba en aquellos momentos. Ya comentamos en el capítulo dedicado a la ópera barroca , que el realismo no era lo que más interesaba en aquella época.
Así pues, todo esto tenía que cambiar, y menos mal que se hizo, de lo contrario no sabemos si la ópera hubiera evolucionado satisfactoriamente o por el contrario, hubiera ido degenerando.
El primero en abordar una reforma fue Alessandro Scarlatti, cansado de los desmanes que se estaban viendo en la ópera de su tiempo.
Scarlatti decidió que las arias, lo que se llamó arias da capo, tendrían tres partes: una primera parte movida (allegro), una segunda más lenta (adagio) y la tercera que era una repetición de la primera. Esto exigía que los cantantes interpretaran estrictamente lo que estaba escrito en la primera y segunda parte, dejando la tercera para que se pudieran lucir con entera libertad.
Esta reforma contentó en principio a todas las partes: compositores, libretistas, cantantes y músicos, sin olvidar al público, que así empezaba a distinguir la estructura de un aria.
Sin embargo, las arias resultaban excesivamente largas, con el consiguiente cansancio de los intérpretes, que una vez finalizada cada una de ellas, debían abandonar la escena para descansar, lo que tenían que tener en cuenta los libretistas para que la acción que se narraba no fuera incoherente al desaparecer el cantante de la escena.
